Dans ce chapitre, vous n'allez pas faire grand chose... Mais c'est quand même intéressant de savoir quel logiciel on utilise, non ?

Voici ce qu'est Blender en quelques points :

Points forts

• Gratuit
• Performant
• Très léger (environ 10 Mo)
• Multi plates-formes (Windows, Linux, Mac OS X...)

Points faibles

• En anglais
• Difficile d'utilisation au début

Eh oui, Blender n'est pas en français, ni vraiment adapté aux débutants ( ), mais c'est pour ça que ce tuto existe : pour vous guider pas à pas, alors gardez espoir, vous serez récompensés !
Donc, je disais que Blender n'était pas payant : oui, et c'est assez rare dans le monde du graphisme 3D, on en a de la chance.



En effet, Blender est relativement peu (re)connu par rapport aux ténors du marché, car il est moins adapté aux usages professionnels que les autres, bien qu'il soit très performant .
Dans le cas des infographistes amateurs (c'est nous !) c'est l'outil idéal, car puissant et gratuit.
Ce que vous devez savoir est que, peu importe le logiciel utilisé, c'est votre envie et votre motivation qui vous feront progresser.

Vous n'atteindrez pas les limites de Blender, même après des années de pratique !

L'histoire de ce fabuleux logiciel commence avec la «start-up» Hollandaise «NaN», en 1998.
Blender est alors en partie payant, certaines parties du logiciel étant seulement accessibles aux détenteurs d'une licence.

En 2000, Ton Roosendaal (l'auteur de Blender) trouva des investisseurs pour le produire : Blender devint alors «freeware».
Malheureusement, cette option n'était pas la plus lucrative, et en 2002 NaN fit faillite.

Ton réussit alors à négocier les droits d'auteur de Blender à 100 000 euros.
Un grand appel aux dons fut lancé à travers le web.

En 1 semaine, la moitié de la somme était récoltée.
En 7, les 100 000 euros avaient été rassemblés.

La Fondation Blender (organisation à but non lucratif) fut créée et racheta le code source avec l'argent recueilli.
Blender est maintenant libre et totalement gratuit.


source

Je vous présente ses caractéristiques, sans entrer trop dans les détails, ni utiliser des termes techniques :

• Modeleur intuitif et performant.
• Méthodes d'animation multiples (Ikey, armature...)
• Possibilité de créer son jeu vidéo, grâce à «Blender Game», directement dans le logiciel.
• Flou de mouvement et flou focal.
• Beaucoup de formats d'import / export afin d'utiliser votre travail dans d'autres logiciels.
• Système de nodes, afin d'améliorer son image sans passer par un logiciel 2D
• Simulation de fluides, pour créer des jets d'eau en tout sens !
• Softbodies, moteur physique pour simuler les collisions et déformations d'objets.
• Interface personnalisable.
• Rendus externes possibles (YafRay, Indigo...), pour générer une image plus réaliste.
• Scripteur Python, qui permet aux programmeurs de créer de petits plugins.

Une autre liste plus complète.


Pour finir, je vous ai concocté une petite liste d'images et de vidéos créées avec Blender :

Images

Et bien d'autres sur la galerie officielle.

Vidéos

Qui a dit que Blender jouait dans la cour des petits ?

Les choses sérieuses vont commencer !

Pour utiliser Blender, faut peut-être le télécharger, non ?

Rendez-vous ici.

Choisissez votre système d'exploitation et cliquez sur le lien en gras.



Pour l'installation, vous tracassez pas, appuyez toujours sur «suivant».

Bien, maintenant «Blender Foundation» apparaît normalement dans vos programmes...
Le moment est venu de le démarrer.



Après un instant de chargement, voici ce que vous obtenez :




Oui, par défaut Blender est en anglais. Il existe quelques méthodes pour le traduire, mais ce n'est pas intéressant car tous les tutos sur Blender sont faits avec la version anglaise, et la version traduite ne l'est que très partiellement (on a donc un mélange français-anglais désagréable).

Il ne faut pas fermer la console, sinon Blender se ferme aussi.
On verra à quoi elle peut servir plus tard.

Vous êtes prêts à passer le Q.C.M. pour tester vos connaissances ?
Ne vous inquiétez pas, il n'est pas trop dur

Comme son nom l'indique, elle nous apporte diverses informations :

• Version du logiciel
• Nombre de vertices (points) de la scène
• Nombre d'objets de la scène
• Etc.

À partir de cette fenêtre, on peut aussi ouvrir un fichier .blend, sauvegarder notre travail, ajouter un objet...

La fameuse vue 3D !

C'est là qu'on passera le plus clair de notre temps.
Elle permet de visualiser notre scène très intuitivement.

Vous pouvez vous y balader en laissant appuyée la molette de votre souris.

Dans notre scène par défaut (celle d'ouverture), on a :

• Un cube
• Une lampe
• La caméra

La plus repoussante, la plus complexe, la plus technique des fenêtres... mais extrêmement utile.

La plupart des opérations sur les objets vont s'effectuer ici, ainsi que le choix des matériaux et des textures, ou encore les paramètres des simulations de fluides...
L'énumération serait trop longue.

Elle se divise en plusieurs menus, accessibles grâce à ces petites icônes :



Détaillons-les une par une:

«Logic» (logique) : grâce aux fonctions de ce menu, on peut simuler certains effets physiques. On ne l'abordera pas dans ce tutoriel.

«Script» (programmation) : sert à programmer en python. Là non plus, on n'étudiera pas ce menu.

«Material» (matériau) : menu fondamental ! Il permet d'assigner des textures, des matériaux à un objet, ainsi que de changer le fond, générer des étoiles, du brouillard...

«Object» (objet) : permet de régler différentes choses sur un objet. On le regardera peut-être en coup de vent, mais pour l'instant il n'a pas beaucoup d'intérêt pour nous.

«Editing» (édition) : sélectionné par défaut à l'ouverture, il permet d'effectuer des opérations de modélisation très utiles en quelques clics.

«Scene» (scène) : c'est de là que l'on réglera tous les paramètres de l'image ou de l'animation finale de la scène.


Bref, on passera l'essentiel de notre temps dans le menu Editing (édition), qui permet de modéliser proprement et efficacement, le menu Material (matériau), pour assigner de belles couleurs à nos objets et finalement, le menu Scene (scène), pour définir la qualité de l'image, sa taille, le format d'exportation...

Les vues sont très importantes dans tout logiciel 3D !
Elles vous permettent de voir ce que vous faites, à quoi ça ressemblera...
Il faut savoir les manipuler !



Pour commencer, lancez Blender.

Toutes les touches qui vous permettront de changer de vue se trouvent sur le clavier numérique.






En voici la liste : (celles en rouge sont à savoir par coeur, les autres sont facultatives)

1 : vue de face
Ctrl + 1 : vue de l'arrière

3 : vue de droite
Ctrl + 3 : vue de gauche

7 : vue de dessus
Ctrl + 7 : vue de dessous

2 : rotation de la vue vers le bas
8 : rotation de la vue vers le haut
4 : rotation de la vue vers la droite
6 : rotation de la vue vers la gauche

On utilisera rarement (voire jamais) ces 4 dernières touches.


0 : vue caméra
5 : vue orthogonale / vue perspective

molette enfoncée : vue intuitive
molette bas (ou "-") : zoom -
molette haut (ou "+") : zoom +


Pour ceux qui n'ont pas de molette, il est possile d'utiliser la vue intuitive avec Alt + clic gauche enfoncé.

La touche Ctrl (Control) permet de visualiser l'opposé (droite / gauche, dessus / dessous...).
La vue caméra est sans doute la plus importante : c'est de ce point de vue que votre image ou animation sera prise.


Voilà, maintenant vous pouvez vous amuser à regarder le cube à partir des différentes vues.

Pour pouvoir utiliser les vues, il va falloir paramétrer Blender pour changer les touches de place.
Cette opération est possible grâce au menu des préférences, qui lui, est bien caché.

Positionnez votre curseur entre la fenêtre d'informations et la fenêtre 3D.


Votre pointeur se transforme alors en deux flèches noires.



Laissez enfoncé le clic gauche et descendez le pointeur comme ceci :



Relâchez le bouton gauche de la souris et le menu apparaît :


Maintenant, cliquez sur l'onglet «System & OpenGL».
Une nouvelle série de boutons apparaît ; cliquez sur «Emulate Numpad».



C'est fini !
Les touches des vues sont maintenant accessibles sur les touches des chiffres :



Vous n'avez plus qu'à cacher le menu des préférences pour revenir comme avant.

Revenez dans la vue 3D et faites Ctrl + U pour que ces changements soient actifs à chaque ouverture de Blender.

Imaginons que vous ayez une scène avec une voiture, une route, une lampe et la caméra.

En mode objet, vous pouvez déplacer la voiture, lui assigner une couleur, régler les paramètres de la caméra, l'intensité de la lampe...
En mode édition, vous agissez sur votre voiture, à la fois : en déplaçant des points, en modélisant le pneu, la jante, le capot, etc.

Mode objet

Un peu de pratique !

Avant tout, mettez vous en vue de face (numpad 1).



Dézoomez un peu (molette bas) pour avoir à peu près la même position que moi, et vérifiez que vous êtes bien en «object mode».



Bien, maintenant, vous allez sélectionner le cube en cliquant dessus (clic droit).


Appuyez sur la touche G.
Miracle ! Le cube suit le mouvement de la souris !
Pour confirmer le déplacement, clic gauche.
Pour annuler, clic droit.

G : déplacement.

Vous pouvez maintenant vous amuser à déplacer les trois objets de votre scène.

Mode édition

Ce mode permet d'agir sur la forme de l'objet : déplacer les points, les arêtes, les faces, pour obtenir ce que l'on veut (une voiture par exemple ).

On va réinitialiser notre scène, pour repartir du bon pied :
File --> New, et confirmez en cliquant sur «erase all».



Normalement, votre cube est automatiquement sélectionné, sinon, clic droit dessus.

Bien, vous allez sélectionner le «edit mode», soit mode édition en français.




Oui, on voit les points du carré : c'est ce qui va nous permettre de modéliser l'objet que l'on veut.
Pour les petits boutons qui sont apparus, on y reviendra plus tard dans ce tuto, sachez seulement qu'ils permettent d'intervenir sur l'objet.



Passons en vue caméra (numpad 0), on aura un meilleur panorama.

Normalement ça vous donne ça :



Les 4 points du haut sont sélectionnés, on peut le voir par leur couleur jaune.
Les points non-sélectionnés sont en violet.

Maintenant, à vous de jouer : choisissez un point, sélectionnez-le (clic droit) et déplacez-le (G, puis clic gauche pour confirmer).

Maintenant, vous pouvez créer la forme que vous voulez.
Oui, enfin vous n'allez pas aller très loin : un cube ne comporte que 8 points, avec ça c'est difficile de modéliser une Dodge Viper.

Mais c'est le principe qui est important : sachez que c'est comme cela qu'on crée des vaisseaux, des voitures, des bâtiments et même des visages humains : en déplaçant les points !

Dans la partie II, on verra comment augmenter son nombre de points pour faire des formes plus complexes et plus intéressantes.

Maintenant, on va voir comment faire un rendu de notre cube !

J'ai trouvé une belle définition sur wikibooks, et j'ai la flemme d'en inventer une :

Un rendu est la création d'une image à partir du point de vue de la caméra, en prenant compte de tous les effets d'environnement de votre scène, et en générant une image réaliste basée sur vos réglages. Ce premier rendu finira très vite, mais vous trouverez que lorsque vos scènes 3D deviendront plus complexes, le rendu prendra très longtemps.



Bref, on va générer une image à partir de notre scène : c'est l'aboutissement de notre travail.
Comme dit précédemment, l'image est prise de la vue caméra, il faut donc vous assurer que notre cube soit dans le cadre de la caméra (numpad 0).

Ceci fait, cliquez sur le bouton «Scene» () dans la fenêtre des boutons.



Vous voyez apparaître une autre multitude de boutons... Par contre, on remarque qu'il y en a deux super gros : RENDER et ANIM.

ANIM, nous le verrons dans la future partie III, génère une animation.
RENDER, lui, génère le rendu de la scène.
Cliquons dessus sans plus attendre...

OOooohh magie !

Une nouvelle fenêtre s'affiche avec notre cube apparaissant devant un beau fond bleu.



C'est magnifique, hein ?

Si vous voulez enregistrer votre oeuvre, faites :
File-->Save Image
ou appuyez F3.



Normalement, votre temps de rendu a été de trois secondes à peine. Comme vous vous en doutez, plus votre scène est complexe et vos objets détaillés, plus le temps de rendu sera long...
Pour «éviter» que le temps ne soit trop long, on peut définir deux paramètres :

• La taille de votre image
• Le dosage de l'anti-crénelage

L'anti-crénelage définit la pixelisation des contours des objets. Plus il est fort, plus les contours de vos objets seront lissés, donc l'image plus belle et propre, mais le rendu sera plus long...
Deux images pour illustrer cette fonction :

(à gauche : pas d'anti-crénelage / à droite : anti-crénelage au maximum)

Ça y est, vous voyez ce que c'est maintenant ?
Et la différence est encore plus frappante avec des objets complexes...


Je disais donc que l'on pouvait définir la taille de l'image et le taux d'anti-crénelage :



Le cadre rouge, c'est l'anti-crénelage : ici, il est activé et réglé à 8 (valeur acceptable) :
Le cadre bleu, c'est la taille de l'image.

Rien ne vaut la pratique, je vous invite donc à faire plusieurs rendus de notre cube, en changeant les paramètres énoncés ci-dessus, avant de passer à la sous-partie suivante.

Il y a encore un objet de notre scène dont je ne vous ai pas parlé : la lampe.

Au milieu, on a notre fameux cube.
En bas à droite, la caméra.
Et à droite du cube, on a notre lampe ! (Je l'ai entourée de rouge pour pas que vous la «loupiez». )






À éclairer, bien sûr !


Tenez, faites un test :

• Mettez-vous en vue de dessus (numpad 7)
• Sélectionnez la lampe (clic droit)
• Dézoomez beaucoup (molette bas)
• Déplacez la lampe le plus loin possible du cube (G)
• Confirmez le déplacement (clic gauche)
• Et faites un rendu...

Ça devrait vous donner une chose dans ce goût-là :




Si vous voyez votre cube encore bien éclairé, c'est que la lampe n'est pas assez loin.

Deux-trois choses sur les lampes : pour l'instant, on n'utilisera qu'une lampe pour nos scènes, mais plus tard, vous verrez que l'éclairage va se diversifier et se complexifier...
Il est aussi possible de régler la lampe (intensité, distance de projection, type de lampes, couleur des lampes...) mais ça, c'est pour la partie suivante.

Sachez aussi que l'éclairage est une donnée cruciale dans toute scène 3D : un mauvais éclairage peut «gâcher» votre création.

La récompense de vos efforts : le Q.C.M. !

Et je veux que des 20.

Je vous ai dit dans le chapitre précédent que pour sélectionner un objet, on devait utliser le clic droit de la souris.
Vous auriez pu alors vous demander :



Judicieuse remarque amis zér0s, seulement l'utilisation du clic gauche est déjà réservée ( ) au positionnement du curseur 3D.



Vous l'avez déjà vu, et sans doute déplacé sans faire exprès.
Il ressemble à ceci :



Au lancement de Blender, il se trouve au milieu de votre écran, «dans» le cube.



Ce curseur est un point de l'espace avec lequel on pourra travailler. Par exemple effectuer la rotation d'un objet autour de lui.
Mais la fonction du curseur que nous utiliserons principalement est la suivante : tout objet créé prend sa place à la position du curseur.





Rien ne vaut la pratique !

Ouvrez (ou réinitialisez) Blender, sélectionnez notre cube (clic droit) et supprimez-le en appuyant sur «Suppr» (facile à retenir ) ou «X» (moins facile à retenir ).

Hop ! Il a disparu !


Ne pleurez pas, on va travailler sur un objet beaucoup plus complexe et intéressant : l'UVsphere.
Déplacez le curseur où vous voulez (clic gauche) tout en restant bien en vue de dessus (numpad 7).

Add --> Mesh --> UVsphere



Le menu add (ajouter en français) permet donc d'ajouter des objets comme des «cubes», des «plans» (plans), des «circles» (cercles), des «cylinders» (cylindres), des «tubes», des «cônes», des «grids» (grilles) et des «monkeys» (singes)... Et je n'étais que dans «Mesh»... mais on va verra ça plus tard, si vous le voulez bien.


Une boîte de dialogue s'ouvrira en demandant combien de «segments» et de «rings» vous désirez.
Changez ces deux valeurs à 16.





Une UVsphere est une sphère découpée en segments et anneaux, comme les parallèles et méridiens pour la Terre.
Plus vous augmenterez la valeur des segments et anneaux, plus votre UVsphere sera lisse, mais votre rendu sera plus long.

Vous avez remarqué que l'UVsphere a été créée à la position du curseur 3D : voilà la première fonction du curseur.

La deuxième que l'on va aborder est la rotation d'un objet autour du curseur.
R : rotation.
Sélectionnez votre UVsphere, et appuyez sur R.
Vous voyez que la sphère tourne autour d'elle-même...
Mais nous voulons qu'elle tourne autour du curseur. Ça peut être très pratique dans une animation où la Terre tournerait autour du Soleil, par exemple.

Pour cela, on va définir le point de rotation de la sphère.
Cliquez sur cette petite icône que j'ai encadré de rouge :



Par défaut, c'est le point du centre de la sphère («median point»).
Choisissez «3D cursor».



Voilà, maintenant tous les objets qui feront une rotation la feront autour du curseur 3D.

Placez le curseur 3D au milieu de la scène, et l'UVsphere quelques unités à gauche, à peu près comme ceci :



Quand vous appuyez sur R, l'UVsphere tourne autour du curseur en suivant le mouvement de votre souris.

Troisième et dernière fonction : la mise à l'échelle.

Cette fonction permet d'agrandir et de rétrécir un objet.
Démonstration.
Réinitialisez la scène, sélectionnez le cube (en mode objet) et appuyez sur S.
S : agrandir / rétrécir un objet.

La taille de votre cube suit le mouvement de votre souris !
Plus besoin maintenant de vous préoccuper de la taille de votre objet, vous pouvez l'ajuster avec S.



Comme pour la rotation, on peut définir que l'objet rétrécisse ou s'agrandisse à partir du curseur...
C'est un peu compliqué tout ça, mais ça passera mieux avec de la pratique.
Toujours avec la même scène, déplacez le curseur 3D (clic gauche) à 3 ou 4 unités du cube.
Redimensionnez (S) votre cube pour qu'il ait à peu près la même taille qu'avant :



Maintenant, choisissez le curseur 3D comme point de pivot.



Parfait !
Refaisons un essai avec notre cube.
On appuie sur «S», et là... plus le cube est proche du curseur 3D, plus il devient petit.
Pour confirmer faites un clic gauche.
Pour annuler, clic droit.

A notre niveau, rétrécir / agrandir un objet par rapport au curseur 3D ne sert à rien.
Tout au long de ce tutoriel, on utilisera le centre de l'objet («median point») comme point de pivot.

J'en ai fini avec tous ces termes techniques et explications un peu embrouillées.

Mine de rien, on vient de voir les 3 trois fonctions que vous utiliserez le plus dans Blender : le déplacement, la rotation, et la mise à l'échelle.

Oui, pas très poétique.

Comme le curseur 3D, vous l'avez déjà remarqué... Si si !
Ce sont les 3 flèches qui apparaissent lorsqu'on sélectionne un objet (en mode objet) et un point, une arête, une face (en mode édition).

Je vous rafraîchis la mémoire :



En fait, cet outil est plutôt un raccourci qu'autre chose : il vous simplifie la vie.
Il permet de déplacer, effectuer une rotation ou changer l'échelle d'un objet, d'un point, d'une arête, d'une face... sans toucher à votre clavier.


Non, car ils nous seront utiles dans certains cas, vous le verrez par la suite.

Le déplacement

Revenons à nos moutons :
Réinitialisez votre scène, sélectionnez votre cube (clic droit) en mode objet et placez-vous en vue caméra (numpad 0).
Cliquez (clic gauche) sur la flèche verte.
Oh ! Le cube ne se déplace que dans la direction de la flèche verte !
Faites un clic droit pour annuler le déplacement.

Les plus perspicaces d'entre vous l'auront remarqué , ces trois flèches représentent les trois axes de géométrie :

flèche rouge: axe x
flèche verte: axe y
flèche bleue: axe z, l'axe de la profondeur



Oui, on peut même combiner 2 axes, ou alors les 3 en même temps.
Pour le déplacement sur un seul axe, il vous suffit d'un petit clic gauche sur la flèche de votre choix.

Déplacer sur 2 axes

Gardez votre scène, assurez-vous que vous êtes toujours en vue caméra (numpad 0), et recentrez votre cube.

Par exemple, si l'on veut déplacer notre cube sur les axes x et y, il faut
appuyer sur shift et clic gauche sur l' axe z.
L'axe z disparaît aussitôt et votre cube se déplace sur l'axe x et l'axe y.



Faites un clic droit pour annuler le déplacement.

Un peu compliqué tout ça, je vous l'accorde.

Déplacer sur les 3 axes

Là, c'est beaucoup plus simple.
On sélectionne notre cube (clic droit), ensuite on appuie sur la touche G (je vous avais dit qu'elle nous servirait !).



Ou alors, avec les «widgets», on peut cliquer sur le cercle blanc au centre de notre objet :



Ces opérations qui vous paraîssent complexes deviendront intuitives et simples lorsque vous aurez un peu plus d'expérience.

La rotation

Tous les boutons qui contrôlent les «widgets» se trouvent en bas de la fenêtre 3D, à droite de la sélection du point de pivot.



Le bouton de la petite main est enfoncée, ce qui signifie que l'outil «widgets» est activé.
Lorsque la flèche est enfoncée(), vous êtes en «mode déplacement».
Pour sélectionner le «mode rotation», cliquez sur le cercle().

Votre cube est maintenant entouré de 3 cercles :
un rouge pour l'axe x,
un vert pour l'axe y,
et un bleu pour l'axe z.



Pareil que pour le déplacement, sélectionnez un cercle (clic gauche) pour voir le cube effectuer ue rotation autour de l'axe correspondant.



Clic droit pour annuler la rotation.

Effectuer une rotation sur 3 axes

Il suffit de cliquer sur le cercle blanc des «widgets», de la même façon que pour le déplacement sur 3 axes.



Une autre solution : la touche R.

La mise à l'échelle

Cliquons sur le dernier bouton : le carré().
Ça nous donne :



On peut aplatir le cube sur un axe : pour cela, faites un clic gauche sur le carré rouge.



Clic gauche pour confirmer, ou si vous préférez l'ancienne forme, faites un clic droit pour annuler.

Agrandir / réduire un objet sur 2 axes

Pareil que pour le déplacement, maintenez la touche shift enfoncée, puis cliquez (clic gauche) sur l'axe à écarter.

Agrandir / réduire un objet sur 3 axes

Je pense que vous l'avez deviné : il faut cliquer sur le cercle blanc !


Ou alors on peut utiliser le raccourci clavier S.

Ici, c'est la sous-partie «fourre-tout» ... Plein de petites choses que je n'ai pas pu «caser» autre part qu'ici.

Sélectionner plusieurs choses en même temps

Reprenons une nouvelle scène (File -->New), gardez votre cube et passez en mode édition.
Par exemple, vous voulez que votre cube ressemble à un gratte-ciel, il faut donc monter les 4 points de dessus.
On prend un premier point, on le monte.



On prend un deuxième point, on le monte.



On prend un troisième point, on le monte.



...
C'est long, hein ?
En plus, ici on a que 4 points à déplacer... Imaginez quand on en aura plus d'une centaine...
Remettez les points à leur place initiale (à peu près ) et laissez la touche shift appuyée.
Maintenant, clic droit sur un premier point, puis clic droit sur un deuxième... Oohhh!! les 2 sont sélectionnés !
Recliquez droit sur un point sélectionné, il se désélectionne.
Tout en gardant la touche shift appuyée, bien sûr.

shift + clic droit : sélections multiples.

Tout sélectionner / désélectionner

Il y a une touche qui permet de sélectionner tous vos points ou objets d'un seul coup : A.
Quand vous êtes en mode objet, vous allez sélectionner / déselectionner tous les objets de votre scène.




Quand vous êtes en mode édition, vous allez sélectionner / désélectionner tous les points de l'objet concerné (exemple: le cube).





Cette fois, le Q.C.M. sera un brin plus difficile...
Enfin, ça ne devrait pas vous poser de problèmes.

Jusqu'à présent, nous avons travaillé sur des objets «solides», on ne voyait pas à travers.
Blender nous propose 5 modes d'affichage :

• «textured» (texturé)
• «shaded» (ombré)
• «solid» (solide)
• «wireframe» (fil de fer)
• «bounding box» (forme)

La liste déroulante se trouve en bas de la vue 3D.


Les 2 plus pratiques et les plus utilisés sont le mode «solide» et le mode «fil de fer».
Dans ce tutoriel, nous n'utiliserons que ces deux-là.



Z : passer du mode solide au mode fil de fer (ou plus simplement transparent).

Quelques screens pour vous montrer les différences entre ces modes :

Dans n'importe quelle vue (à part la vue «caméra» qui est un peu spéciale ), on a le choix entre 2 types de projection : soit en perspective, soit en orthonormée.

La vision perspective est sans doute la vue la plus «réaliste», plus on regarde de loin, plus les objets paraissent petits.
La vision orthonormée est très utile et plus technique, car elle permet de dessiner précisément, et de mieux percevoir les distances et proportions des objets.
C'est comme regarder la scène d'un point éloigné à l'infini.

Regardons notre cube, en vue de dessus (numpad 7), dans ces deux visions de projections différentes :




Vous comprenez maintenant la différence ?





Rien de plus simple !

En bas de la fenêtre 3D, cliquez sur «view».
Vous voyez votre type de projection actuel (orthonormé ou en perspective) et votre vue (face, dessus, utilisateur...).



Ne vous faites pas de soucis : si vous ne comprenez pas tout tout de suite, vous vous familiariserez avec ces notions très rapidement.

Cet outil nous permet de sélectionner / désélectionner tous les points («verticles» en anglais) compris dans un rectangle...

Sélection

Pour vous montrer son intérêt, nous allons nous mettre en situation.

Imaginons que vous voulez avoir une demi-sphère.

On ouvre Blender, on sélectionne notre cube en «object mode» et on le supprime («Suppr»).


On ajoute une UVsphere, toujours en vue de dessus (numpad 7).
Add --> Mesh --> UVsphere



On confirme le nombre de «Segments» et de «Rings».
On se met en mode d'affichage «wireframe» (Z) et on zoome sur notre sphère.
Ensuite, on se place en vue de face (numpad 1)

Vous devriez avoir ceci :



Nous sommes bien en vue de face orthonormée, on peut le vérifier en allant dans «view», en bas de la fenêtre 3D.



On va désélectionner tous les verticles de la sphère, pour pouvoir ensuite sélectionner seulement ceux que l'on veut supprimer.
On appuie donc sur A.

Hop ! Tous les points sont désélectionnés.

C'est ici que l'outil «boîte de sélection» entre en jeu :
Appuyez une fois sur B.
Vous voyez apparaître une grande ligne verticale et une autre horizontale, dans votre vue 3D.



Pas d'inquiétude, c'est tout à fait normal .

Maintenant, vous laissez appuyé le bouton gauche de votre souris, et tracez un rectangle qui englobe la moitié de la sphère, comme cela :



Ensuite, vous relâchez le bouton gauche.
Voilà, vos «verticles» ont tous été sélectionnés d'un coup !



Nous n'avons plus qu'à les supprimer avec la touche «Suppr», puis en choisissant «verticles» (points).

Notre but est atteint, nous voilà avec une demi-sphère :



Vous pouvez maintenant repasser en affichage solide (Z) et admirer le fruit de votre travail :



C'est pas magnifique ?

Désélection

Pour désélectionner des «verticles», au lieu de presser le bouton gauche de la souris, il faudra presser la molette.
Vous pouvez réinitialiser votre scène et tester avec le cube...

Le cercle de sélection

Il est très semblable à la boîte, seulement on sélectionne avec un cercle, au lieu d'un rectangle.

Sélection

Reprenons une nouvelle scène (File --> New) et une UVsphere (Add --> Mesh --> UVsphere).
En «edit mode», on se positionne en vue de face (numpad 1), et en affichage «wireframe» (Z).



À la première pression, les 2 droites apparaissent.
À la deuxième, c'est un cercle.



En cliquant (clic gauche), tous les points contenus dans le cercle sont sélectionnés.



Vous pouvez même laisser appuyé le bouton gauche et balader votre cercle pour sélectionner tous les points que vous voulez.






Voilà un outil bien pratique et intuitif que l'on utilisera souvent.

Désélection

Pareil qu'avec la boîte : en cliquant sur votre molette, les points sélectionnés contenus dans le cercle seront aussitôt désélectionnés !

Pour la forme générale, on va partir du cube de départ.

File --> New

On va aplatir le cube sur l'axe z, pour avoir un plateau carré, et l'étirer sur l'axe des x, pour avoir notre forme rectangulaire.

Pour cela, on va utiliser les widgets, avec l'outil size, en mode objet :




Placez-vous en vue de face (numpad 1), en vision orthonormée (numpad 5).
On zoome un peu, pour bien voir notre cube.




On va aplatir notre cube sur l'axe Z.

Comme vu dans la partie I, on va cliquer sur la branche bleue, et descendre la souris, mais cette fois-ci avec la touche Ctrl maintenue.



On va rendre la longueur Z du cube dix fois plus petite.
Descendez votre souris jusqu'à ce qu'apparaisse 0.1 en bas à gauche de la fenêtre 3D.




Ça commence à prendre forme !

Nous avons maintenant un plateau de table carré.
Seulement nous, on le veut rectangulaire.

Rien de plus simple, on va encore utiliser les widgets en mode size et étirer cette fois sur l'axe X.

Plaçons-nous en vue de dessus (numpad 7), comme ceci :



Avec la touche Ctrl enfoncée, on clique sur la branche rouge, et on la déplace vers la droite jusqu'à ce que 2.000 apparaisse.




Ensuite on relâche, et on obtient ceci :



Mettez-vous en vue caméra pour mieux apprécier votre travail (numpad 0).



Notre plateau est terminé !

Reste à faire les pieds maintenant .

Pour modéliser les 4 pieds de la table (en mode édition), on va ajouter des faces sur les côtés du plateau. Ensuite on les extrudera (du verbe «extruder») pour créer les pieds.



Voici une définition simple et claire :
Citation : Presence PC
source

Cette notion d'extrusion peut paraître un peu compliquée à première vue, mais elle vous sera très vite familière.


Revenons à notre table.
On se met en vue dessus (numpad 7), en mode édition, l'outil size en mode déplacement.




On va passer en mode d'affichage «wireframe» (Z) pour pouvoir sélectionner les points cachés.



Mettez-vous à l'aise en zoomant suffisamment pour voir la totalité de la table dans la fenêtre 3D.
Ceci fait, on va sélectionner les 4 points à gauche du plateau, grâce à la boîte de sélection (B).







Nous voici maintenant prêts à utiliser la fonction «extrude» !

Appuyez sur la touche E et cliquez sur «Region».



Il faut maintenant positionner les points qui viennent d'être créés.
Avec la touche Ctrl enfoncée, déplacez les points de 0.2 vers la gauche.



Confirmez le déplacement avec un clic gauche.

Si vous n'avez pas fait d'erreur, vous devez obtenir ceci :




Si vous vous êtes un peu emmêlé les pinceaux, pas d'inquiétude ( ), il existe une fonction «annuler action» dans Blender, il suffit d'appuyer sur U.



On va faire la même chose de l'autre côté :

• On désélectionne tous les points en appuyant sur A.
• On sélectionne les 4 points de droite avec la boîte de sélection.
• On appuie sur E et on confirme avec «Region».
• On déplace les points créés de 0.2

Voici le résultat :





Vous aimez l'extrusion ?

Tant mieux, car on recommence !

Cette fois, on va sélectionner les 8 points du haut :



On appuie sur E, on clique sur «Region», et on les déplace de 0.2 vers le haut.



On confirme avec un clic gauche.




Voici notre résultat :



Comme vous vous en doutez, on va procéder de la même manière pour les points du bas.
Mais cette fois, je vous laisse faire tout seul !

C'est pareil qu'avec le haut, seulement on déplace les points de 0.2 vers le bas, c'est tout.

Voici notre table avec toutes ces opérations :






En faisant tout cela, on a créé de nouvelles faces, qui vont nous servir de bases pour extruder les pieds.

Remettons-nous en affichage «solid» en appuyant sur Z :



On va maintenant sélectionner par faces, et non plus par points : ce sera plus facile pour ce que l'on veut faire.

En bas de la fenêtre 3D, cliquez sur la petite icône représentant un triangle.





Vous avez remarqué que l'on ne voit plus les points, mais des carrés repésentant les faces.

Dézoomez pour avoir dans votre fenêtre 3D la table et la lampe, comme ceci :




Nous sommes actuellement en vue de dessus ; pour extruder les pieds, il nous faut passer en vue de dessous.
On appuie donc sur Ctrl + numpad 7.

En changeant de vue, la positionnement de la lampe a changé :



Maintenant, sélectionnons les 4 faces des coins :



Repassez en vue de face (numpad 1).



On va extruder les pieds vers le bas, disons de 2.0.

On appuie sur E, on choisit «Region», comme d'hab' !

Avec Ctrl enfoncé, on laisse descendre les pieds jusqu'à 2.0, ensuite on fait un clic gauche pour confirmer le déplacement.



Voilà, c'est fini !
Désélectionnez tous les points (A), passez en mode objet et admirez votre oeuvre en vue intuitive (molette enfoncée).



Maintenant, le rendu !

La modélisation est terminée, nous allons maintenant travailler sur le rendu de la table.

Mettons-nous en vue caméra, pour voir si le cadrage est correct.
La prise du rendu va se faire dans le 2e trait discontinu (celui montré avec les flèches rouges).




Ça a l'air bon, notre table est dedans.

On va dans le menu «Scene», et on clique sur le bouton RENDER.

Une nouvelle fenêtre apparaît, et le rendu se génère (en quelques secondes normalement).




Vous voulez montrer votre première image de synthèse à vos amis ?
Alors il faut la sauvegarder !

Pour ceci, appuyez sur F3

Par défaut, le dossier d'enregistrement est : C:\tmp\.



Indiquez le nom de votre image dans la deuxième barre, sans l'extension.

• Le bouton avec un «P» permet de monter dans l'arborescence de l'explorateur.
• Le bouton avec les deux flèches permet de choisir le disque dur.
• Le bouton «Save JPEG» sauvegarde l'image.
• «Cancel» annule l'opération d'enregistrement.

Ensuite, enregistrez le fichier .blend de la table, il nous resservira .

File --> Save



Cette fois, n'oubliez pas de mettre l'extension, et nommez votre fichier table.blend, par exemple.

Ouvrons le fichier du dernier TP.

File --> Open



On se retrouve avec notre bonne vieille table.

Mais voilà, un problème se pose...



Il y a plusieurs solutions, comme déplacer la table, ou déplacer le centre de la vue, mais nous, on va utiliser les calques.

Pour ceux qui font de la 2D, la notion de calque doit leur dire quelque chose.
Sur Blender, c'est un peu différent :

Les calques sont des «boîtes» où l'ont peut entreposer des objets.

Lorsqu'un de vos calques est surchargé de meshs, lampes, caméras et autres, on peut basculer une partie de ces objets dans un autre calque, pour y voir plus clair.




Le panneau de contrôle des calques se trouve en bas de la fenêtre 3D, au milieu (il faut être en mode objet pour le voir) :




Le premier bouton est enfoncé, on est donc dans le 1er calque.




Faites un clic gauche sur le deuxième bouton, à droite.



La fenêtre 3D redevient libre... nous voilà tranquille pour modéliser notre chaise !

Avant tout, assurez-vous que votre curseur 3D est bien au milieu de la scène.
Si ce n'est pas le cas, faites cette manipulation :

Shift + C : votre curseur revient à l'origine, mais votre vue a un peu dévié...
C : maintenant votre vue et le curseur sont de nouveau centrés.




Mettez vous en vue de dessus (numpad 7), et ajoutez un cube (eh oui, encore !).

Add --> Mesh --> Cube

On passe en vue de face (numpad 1), et comme avec la table, on aplatit notre cube sur l'axe des Z.

Mettez-vous en mode «size» pour les widgets.




Faites un clic gauche sur la branche bleue et descendez la souris avec Ctrl enfoncé, jusqu'au dixième de taille initiale.






On revient en vue de dessus (numapd 7), et on se met en mode édition.



Désélectionnez tous les points avec A, et passez en affichage transparent (Z).




Maintenant, on va attaquer les pieds de la chaise, mais d'une façon différente de la table : on va utiliser le «Loop cut», qui permet de couper un mesh pour ajouter des faces.

Appuyez sur K ; une boîte de dialogue apparaît : choisissez «Loop cut».




Si vous approchez votre pointeur du centre de votre objet, un trait bleu apparaît.



Faites tourner votre molette pour que 2 traits verticaux apparaissent, puis confirmez (clic gauche).







Notre cube est coupé !
Profitons que ces points soient sélectionnés pour les redimensionner :
Avec la branche rouge (axe des x), agrandissez l'espace entre les deux coupes de 2.4.

Clic gauche avec Ctrl enfoncé.



On relâche le bouton de la souris, et on désélectionne tous les points (A).



Ça ne vous rappelle pas quelque chose ?

On continue nos coupes, cette fois horizontalement.

K, puis «Loop cut».
On place nos deux traits :



Vous faites comme précédemment, en augmentant la taille des y de 2.4 :



On désélectionne tout (A), on passe en mode d'affichage «solid» (Z), et en vue de dessous (Ctrl + numpad 7).




Nous voilà prêts à extruder les pieds de la chaise !
Passez en sélection par faces, et sélectionnez les 4 faces dans les coins :



Repassons en vue de face (numpad 1), et extrudons nos pieds de 1.5 vers le bas.



Confirmez avec un clic gauche.

Revenez en vue de dessus (numpad 7) et sélectionnez les 3 faces du haut :




Passez en vue de côté (numpad 3) et extrudez ces faces de 2.0 vers le haut.



Notre chaise est finie !

Désélectionnez vos faces (A) et repassez en mode objet.

Maintenant que notre modélisation est terminée, on va pouvoir repasser la chaise dans le calque 1.

Sélectionnez la chaise et appuyez sur M.
Une boîte de dialogue s'ouvre.
Cochez le premier bouton (premier calque) et validez avec OK.



Plop ! La chaise a disparu !

Revenez dans le calque 1 et admirez votre scène...

Oui, on va remédier à cela...

D'abord le positionnement de la chaise :

Mettez-vous en vue de dessus (numpad 7), en affichage transparent (Z) et passez les widgets en mode déplacement :



Déplacez maintenant la chaise où vous le souhaitez.

Passez en vue de face (numpad 1) et abaissez-la pour que les pieds de la table et de la chaise soient à la même hauteur :



Bien, maintenant que notre chaise est correctement positionnée, on va ajouter un sol et 2 murs.

Replacez-vous en vue de dessus (numpad 7) et ajoutez un plan.

Add --> Mesh --> Plane




Redimensionnez-le pour l'avoir 6 fois plus grand, en utilisant la touche S.


Passez en mode édition et sélectionnez ces trois «verticles» (shift + clic droit) :





Revenez en vue de face (numpad 1) et extrudez de 6 ou 7 vers le haut, de manière à avoir de jolis murs.



On s'aperçoit que la chaise et la table sont en dessous du niveau du sol...
Remédiez à cela avec les widgets en mode déplacement.



Dernières petites choses : vous pouvez dupliquer votre chaise (ou tout autre objet) avec shift + D pour pouvoir accueillir plus de personnes dans votre salon.
Pensez aussi à bouger la caméra pour englober toute la scène, et à déplacer la lampe si les ombres ne vous conviennent pas.

Voici un exemple de rendu :

Comme vous pouvez le voir, notre scène reste relativement «simpliste» (notamment la chaise), mais il ne tient qu'à vous de l'améliorer !
Avec tout ce que vous avez appris, vous pouvez être capable de :

• Ajouter des bords à la table et aux chaises
• Refaire le dossier de la chaise
• Revoir les proportions
• Améliorer le cadrage et la mise en scène
• Ajouter d'autres objets (buffets, fenêtre, bureau en arrière plan...)
• Et bien d'autres choses encore...

Voici ce que j'obtiens avec quelques modifications de modélisation et l'«Ambient Occlusion», que l'on verra bientôt :

N'hésitez pas laisser un commentaire avec un lien de votre rendu.

Tout au long du chapitre, nous allons faire plein de petits tests, découvrir les boutons du menu des matériaux, et les essayer sur des meshs...



Non non !
Nous allons utiliser Suzanne, la mascotte de Blender !
Elle est parfaite pour faire des tests de matériaux, car elle comporte des creux, des bosses, de belles formes arrondies... un véritable objet complexe !

Elle est déjà modélisée, il ne reste qu'à l'ajouter.

Add --> Mesh --> Monkey

Passez en mode objet (TAB) et restez en vue de dessus.




Comme on peut le remarquer, notre singe a quand même une tête très «carrée», pas bien arrondie...

Une question se pose :



Ici, nous allons le faire rapidement, mais un prochain chapitre sera consacré aux méthodes de lissage et à la modélisation en «Subsurf».

Dans le menu «Editing» (F9), cliquez sur «Add Modifier».
Une liste déroulante apparaît, choisissez «Subsurf».




Le «Subsurf» rajoute virtuellement des points à votre mesh en adoptant les courbes de l'objet.

C'est déjà beaucoup mieux, mais pas parfait.

Toujours dans le menu «Editing», cliquez sur «Set Smooth», qui lissera pour de bon votre objet.




Voici notre Suzanne, toute bien lisse maintenant :



Placez-vous en vue caméra (numpad 0) et, à l'aide des widgets, effectuez des rotations pour bien voir Suzanne :



Maintenant que nous n'en avons plus besoin, vous pouvez désactiver les widgets pour une meilleure visibilité dans la vue 3D.



Passons au texturing !

En vérifiant que vous avez sélectionné Suzanne en mode objet, appuyez sur l'icône du menu des matériaux :



Pour l'instant, aucun matériau n'a été créé, il faut donc en ajouter un.




Appuyez sur «Add New».



Le menu (appelé aussi «panneau» ou «panel») des matériaux est bardé de boutons et de réglages...

Quelques explications sur les différentes parties de ce menu s'imposent.

Le menu (entouré de rouge) est lui-même divisé en sous-menus (entourés de bleu).
Dans chaque sous-menu il y a les onglets, entourés de vert.



Tout à gauche, on a la fenêtre de prévisualisation du matériau.
Les icônes entourées de noir permettent de changer la forme de la «preview».

Pour notre test, on va choisir Suzanne, c'est parfait !



Intéressons-nous maintenant au cadre que j'ai entouré de bleu ciel.

Il permet tout simplement de changer la couleur du matériau en ajustant les valeurs de bleu, rouge et vert.



Tout à 0, c'est le noir.
Tout à 1, c'est le blanc.

Vous pouvez tester de sympathiques couleurs sur Suzanne :



Si vous voulez avoir quelque chose de précis, il suffit de cliquer sur le nombre pour pouvoir entrer une valeur :

Maintenant que vous savez modifier la couleur d'un matériau, intéressons-nous à la possibilité de rendre un mesh transparent ou de type «miroir» (comme une glace).

Toutes ces fonctions se trouvent dans l'onglet «Mirror Transp».

Transparence

Pour avoir un matériau transparent, il faut cocher «Ray Transp», et augmenter la valeur de «Fresnel».

Pour encore plus de réalisme, vous pouvez entrer l'indice de réfraction sur le bouton «IOR».


Si vous êtes en seconde ou plus, vous devez (normalement ) le connaître.
Cet indice, propre à chaque matière, détermine l'angle de déviation de la lumière quand elle pénètre l'objet.


Ou plus simplement : plongez un crayon dans un récipient d'eau, et il paraît brisé :





Par exemple, l'indice de réfraction de l'eau est de 1.33.
Celui du verre est de 1.50.

Vous pouvez retrouver quelques indices de réfraction sur ce site, en anglais.

Revenons à notre singe :

Cochez le bouton «Ray Transp», et poussez le «Fresnel» à fond, c'est-à-dire à 5.




En augmentant légèrement la valeur de «IOR», vous pouvez observer la déformation :




Voilà, la réfraction n'a maintenant plus de secrets pour vous !

Miroir

Décochez «Ray Transp», et remettez «IOR» et «Fresnel» à leur valeur initiale.

La gestion de la "mirroireté" (le fait de reflèter l'environnement, tel un miroir) est plus simple que la transparence, il vous suffit de cocher «Ray Mirror» et de jouer avec le bouton «ray Mir» :

Les shaders sont les tâches de lumière sur le mesh, aussi appelées «spéculaires».

Cliquez sur l'onglet «Shaders» pour accéder aux réglages :



Le bouton «Ref» détermine le degré de réflection de votre matériau.
En gros, plus il est est fort, plus notre Suzanne sera lumineuse.

Suzanne, toute de rouge vêtue, avec une Ref. à 0.8(par défaut) :






Passons maintenant aux boutons «Spec.» et «Hard».

«Spec.» détermine l'intensité des tâches lumineuses sur les meshs.
Les matières métalliques, humides, ont souvent une spécularité élevée, contrairement aux plastiques, ou aux peaux.
Baissez la spécularité pour avoir une lumière plus diffuse sur le matériau.



Le bouton «Hard» définit la taille de vos spéculaires.
Bois, peaux et plastiques ont souvent un Hard assez faible, tandis que la valeur des métaux et objets mouillés est plus importante.



L'onglet des shaders n'a maintenant plus de secret pour vous !

Type de shaders

Il existe d'autres modes de spéculaires, qui gèrent la lumière différemment de ceux par défaut.
Vous pouvez les choisir en déroulant la liste :




Je vous laisse les découvrir !

Si vous voulez tester un matériau de type «toon», dessin animé, je vous propose le tuto sur le Cell Shading / Cartoon de Socomajor.

Voici la présentation de quelques boutons, qui pourront vous être utiles à l'occasion.


Il permet d'avoir un rendu du matériau en affichant seulement les arêtes du mesh.
Très utile si l'on veut montrer sa modélisation.



Rend le matériau totalement insensible aux lampes, lui donnant un aspect 2D.

Il se combine très bien avec le Wire.




Lorsque ce bouton est activé, votre fenêtre de prévisualisation est nette et sans défaut.
Par contre, l'affichage sera plus lent.

Pour clore ce long et compliqué chapitre, je vous propose d'expérimenter la fonction «halo» qui permet, entre autres, de simuler des lasers et autres effets spéciaux lumineux !

Toujours avec Suzanne, cochez «halo» dans l'onglet «Links and Pipelines» :


Votre Preview change, ainsi que l'onglet des shaders :




L'affichage dans la vue 3D de Suzanne a dû changer, elle aussi.

Tous les verticles de votre mesh sont maintenant transformés en points lumineux.


Pour avoir un bon effet de laser, ce n'est pas très compliqué, il suffit de jouer avec ces trois paramètres :

Halo Size : la taille du point lumineux. Attention à ne pas trop la monter, rester dans les 0.1 et quelques...
Hard : la luminosité de votre point.
Add : l'intensité du dégradé avec le blanc.

Malheureusement, pour la fonction Halo, la preview est très trompeuse : elle affiche les points beaucoup trop petits. Vous devez plutôt faire des tests avec le rendu, directement.



Vous pouvez fabriquer votre sabre laser grâce une arête à laquelle vous ajouteriez beaucoup de points (avec «Loop cut»).

Après quelques tâtonnements, voici ma collection :



Il est bien sûr possible de faire beaucoup mieux.

C'est une image 2D que l'on va appliquer sur un objet 3D, une sorte de papier peint que l'on va coller sur notre Suzanne, par exemple.

Ouvrez une nouvelle scène, ajoutez Suzanne et lissez-la comme nous l'avons fait dans le chapitre précédent.

Ajoutez-lui un matériau, que l'on nommera «essai texture».




Tout à droite du menu des matériaux, vous avez sans doute remarqué les 3 onglets «Texture», «Map To» et «Map Input» :

• l'onglet «Texture» nous permettra de nommer et sélectionner la texture en cours.
• «Map to» permet de positionner et dimensionner une texture sur le mesh.
• Enfin, avec «Map input», on réglera les canaux (couleur, relief, transparence...) sur lesquels notre texture agira.

Une texture est normalement déjà créée, contentons-nous de la renommer :






On peut maintenant se rendre dans le sous-menu «Textures Buttons» (F6) :



On a encore une fenêtre de prévisualisation (noire pour le moment, mais ça va bientôt changer !) et une liste déroulante pour le choix du type de texture.



On va explorer un peu...
Choisissez le type de texture «Clouds» (nuages).



Vous pouvez choisir entre «Soft Noise» (perturbations douces) et «Hard Noise» (fortes perturbations).
Le paramètre «Noise Size» définit la taille des nuages.
«Noise Depth» indique la profondeur de calcul des nuages.




En bas de l'onglet, on peut choisir le type de «clouds» :



On a le choix !

Pour notre exemple, on va augmenter le nombre de clouds dans la texture, donc diminuer «Noise Size» à 0.1.

On revient au panneau des matériaux pour voir l'effet de la texture sur Suzanne...





On va arranger ça en allant dans l'onglet «Map To» :




Le bouton «Col» est activé, cela signifie que notre texture agit sur la couleur du matériau.
En bas, on peut régler la couleur (le noir sur la preview de la texture).
On peut aussi utiliser notre texture comme une «bump-map», une image en niveau de gris qui simule le relief.

Décochez le bouton «Col» et enfoncez son voisin de droite, «Nor».

Les tâches violettes ont disparu, mais on ne perçoit pas bien le relief.
On va augmenter son intensité en augmentant la valeur «Nor», à 3 par exemple :



Notre Suzanne est pleine de bosses.

Vous pouvez maintenant choisir de nouveaux types de texture, essayer d'autres canaux, cocher des boutons... Bref, touchez un peu à tout pour voir ce qui se passe !

Utiliser une image comme texture

Les textures de Blender sont utiles dans bon nombre de cas, mais restent relativement limitées.
Pour pallier à ce problème, on peut importer une image que l'on utilisera comme texture.

Ensemble, on va texturer un magnifique parquet.

Ajoutez un sol en vue de dessus (numpad 7) :

Add --> Mesh --> Plane



Redimensionnez-le (5 fois plus grand) avec les touches S et Ctrl enfoncées.



Créez aussi un nouveau matériau, nommé «parquet».

Allez directement dans le sous-menu «Texture Buttons» et ajoutez une nouvelle texture.




Beaucoup de sites proposent des textures gratuitement, pour notre parquet vous pouvez par exemple utiliser un de cette liste.

Enregistrez-la sur votre ordinateur en faisant un clic droit, puis «Enregistrer l'image sous...».

Revenez à Blender et choisissez le type de texture «Image» :



Importez votre image grâce au bouton «Load Image».
Vous pouvez répéter la texture en augmentant la valeur de «Xrepeat» et «Yrepeat» (dans mon cas je mets 4 aux deux valeurs).

La est bien réglée, on peut revenir au menu des matériaux.

Cochez le «full OSA» dans la preview pour avoir quelque chose de correct :



C'est pas mal, mais il va falloir encore régler les Shaders :
le bois est une matière assez mate, baissez donc «Spec» et «Hard».



C'est maintenant beaucoup plus réaliste, non ?



Vous pouvez faire un rendu, sans oublier de bien positionner Suzanne (qui est pour l'instant encastrée dans le sol ) et la lampe.

Plaquer la texture

Un point qui n'a encore pas été soulevé dans ce chapitre, c'est le plaquage de la texture.
En effet, il faut, pour chaque texture, dire à Blender dans quel sens et comment la texture (qu'elle soit procédurale ou image) va être appliquée au maillage.

Par exemple, vous pouvez cocher la prévisualisation «cube» pour le matériau du parquet.
On s'aperçoit tout de suite que sur deux axes, la texture s'étire horriblement .



L'onglet permettant de corriger ce petit ennui est «Map Input».



Pour faire simple, il vaut mieux la plupart du temps cocher «Cube», ainsi la texture sera projetée sur tous les axes (et pas un seul, ce qui est le cas avec «Flat», coché par défaut).

Par contre, si vous texturez une sphère en planète ou balle de tennis, pensez à cocher «Sphere» pour avoir un plaquage correct .

Oui bien sûr, Blender sait le faire.
Vous pouvez appliquer jusqu'à 16 matériaux sur le même mesh !
Dans ce chapitre, nous allons utiliser des matériaux simples, sans textures, pour aller plus vite.

Reprenons une nouvelle scène (File --> New), supprimez le cube et ajoutez la tête de singe.
Lissez-la avec le «Subsurf» et «Set smooth», comme d'habitude.

Ajoutez un matériau (appelé «blanc»), et mettez les valeurs de R, G et B à 1 :



Maintenant, allons voir du côté du panneau «Editing» (F9).
Intéressons-nous à l'onglet «Links and Materials».

Pour ajouter un deuxième matériau au mesh sélectionné, appuyez simplement sur «New».



Appuyez encore une fois sur «New», de manière à avoir 3 matériaux sur notre Suzanne.

Bien, quelques petites explications s'imposent :



Le numéro 3, entouré de bleu, vous indique le nombre de matériaux créés pour le mesh sélectionné.
L'autre 3, entouré de rouge, indique le matériau actif (que l'on peut éditer en revenant dans le menu des matériaux).
Le bouton «Delete» supprime l'affection du matériau actif au mesh.
En «Edit Mode», le bouton «Assign» permet d'affecter le matériau actif aux faces sélectionnées.

En cliquant sur les petites flèches, on peut changer le matériau actif ; mais on s'aperçoit que c'est tout le temps «blanc» qui apparaît !



C'est tout à fait normal, étant donné que nous n'avons créé que celui-ci.

Nous allons créer un deuxième matériau, tout bleu.
Mettez le matériau n°2 en actif :



Revenez au menu des matériaux, et ajoutez-en un nouveau :



Renommez-le («blanc.001», ce n'est pas très poétique ) en «bleu», et changez les valeurs RGB pour correspondre au nom.




Maintenant que le deuxième matériau est créé, allons ajouter le troisième, un rouge.
Revenez dans le panneau «Editing», sélectionnez le troisième matériau («blanc») :



On re-revient dans le panneau des matériaux, on ajoute le rouge :




Nous avons enfin nos trois matériaux !








Assignons maintenant les matériaux au mesh, ce sera beaucoup plus distrayant que cette complexe gestion...

Restez dans le panneau «Editing», et passez en mode édition avec Suzanne sélectionnée.

Avant tout, cochez ce petit bouton dans l'onglet du «Subsurf» qui permettra de sélectionner les faces lissées :



Pour mieux naviguer dans la fenêtre 3D, changez le centre de la vue avec shift + molette enfoncée.
Mettez-vous en vue intuitive, et essayez de trouver la bonne position, le bon zoom pour pouvoir colorier à votre aise.



Choisissez le rouge ou le bleu, sélectionnez des faces (shift + clic droit), et appuyez sur le bouton «Assign» :


Miracle !
Vous pouvez maintenant repeindre Suzanne de la tête... à la tête .



Voici ma petite réalisation :




Suzanne aux couleurs de la France !

Le sous-menu «World» est l'endroit où vous pourrez enfin changer la couleur du fond de la scène.



Il permet aussi de rajouter des étoiles, du brouillard, et dans une prochaine version, un générateur de ciel (tout ceci sera vu dans un prochain chapitre).

Pour changer la couleur du fond, jouez avec les valeurs HoR, HoG et HoB.




Cochez les boutons «Real», «Blend» et «Paper» pour avoir des dégradés.



Vous pouvez bien évidemment vous servir de textures pour le fond, pour simuler un ciel avec des nuages par exemple.

Voici une petite présentation des 10 mesh, aussi appelés «maillages» ou «primitives», que nous offre Blender :




Un plan contient 4 points, 4 arêtes, 1 face.
Il peut être utilisé comme sol, mur, ainsi que nous l'avons vu dans le TP.



Le cube est un mesh très utilisé comme base pour modéliser des formes complexes.



Un cercle vide. On peut choisir le nombre de points qui le composeront (entre 3 et 100).



Cette sphère est composée de «Segments» et «Rings», comme la Terre avec les méridiens et les parallèles.
Plus leur nombre est élevé, plus votre mesh semblera lisse.



Quelle différence avec l'UVsphere ?
Toutes ses faces sont triangulaires.
Cela peut être utile dans certains cas, mais on utilise plus souvent l'UVsphere.



Le cylindre est un cercle extrudé, puis fermé (on peut le laisser ouvert en décochant «Cap Ends»).
On peut également choisir le nombre de sommets qui composera les cercles.



Très peu utilisé, à part pour faire des piques ?



Un plan auquel on aurait fait subir des «loop cut».
Assez pratique pour faire un terrain, par exemple.



On l'a déjà beaucoup utilisé, vous devez le connaître par coeur !
Suzanne est idéale pour faire des tests, de matériaux notamment.

Raccourci

Maintenant, plutôt que de passer par la fenêtre d'informations, vous pouvez directement ajouter des mesh (ou d'autres objets) dans la vue 3D, grâce à la touche Espace.

Tout mesh qui se respecte possède un point de pivot.
Il est représenté par un petit cercle gris :



En mode objet, lorsque vous effectuez une rotation, ou une mise à l'échelle de votre mesh (que ce soit avec les widgets ou le clavier), elles se feront à partir de ce point.







Effectivement, mais lorsque que vous travaillez en «edit mode», le point de pivot ne bouge pas.
Si vous sélectionnez tous vos «verticles» (A) et les déplacez, il se retrouvera isolé.



Rendez-vous dans le panneau «Editing» (F9), et observez ces 3 boutons dans l'onglet «Mesh» :

• «Centre New» replace votre point de pivot au centre de votre mesh automatiquement (le plus pratique).
• «Centre» est identique à «Centre New», sauf que c'est le mesh qui se déplace, et non le point de pivot.
• «Centre Cursor» va déplacer le point de pivot à la position du curseur 3D.

Après toutes ces explications, j'espère que vos points de pivot sont bien placés !

L'outil texte est là pour vous !

Add --> Text



En mode objet, vous pouvez déplacer le texte.
En mode édition, vous pouvez le taper :



Vous aurez remarqué que le menu «Editing» est différent de celui des mesh :



Voyons un peu à quoi servent tous ces boutons.

D'abord, ceux soulignés en rouge :

• «Width» détermine la taille de vos lettres.
• «Extrude» donne du relief à votre texte.

Ceux en bleu sont des outils dactylographiques :

• «Size» augmente la taille de votre texte.
• «Spacing» a pour effet d'espacer vos lettres entre elles.
• «Shear» donne la possibilité de mettre en italique.

Pour finir, les boutons encadrés de vert :

• «Left», «Center» et «Right» déterminent l'alignement du texte.
• Le bouton «Insert text» permet de charger un fichier texte.
• «Lorem Ipsum» génère une longue phrase (utile pour des tests).
• Enfin, avec le bouton «Load», vous pouvez charger une police d'écriture qui se trouve sur votre ordinateur.

Voici un site de référence pour télécharger gratuitement de belles polices !

Convertir en maillage

En quelques clics, vous pouvez transformer votre texte en maillage.
Vous pourrez ainsi extruder certaines faces, repositionner les verticles, en supprimer d'autres... pour arriver à un texte personnalisé et unique.



Utilisez la combinaison Alt + C, et choisissez «Curve».
Refaites Alt + C, et confirmez en cliquant sur «Mesh».



Voilà, notre texte est maintenant un maillage prêt à être édité !

Comme nous l'avons vu brièvement dans le chapitre des textures, il existe deux façons pour lisser les mesh.
Voyons un peu plus en détails ces deux fonctions : «Set smooth» et «Subsurf».

«Set smooth»

Ce bouton se trouve dans le menu «Editing», il n'est utilisable qu'en mode objet.



Le «Set smooth» ne change pas la forme de votre mesh, ne déplace ni les points, ni les faces. Il donne simplement l'illusion d'un lissage en jouant sur la luminosité.
Cette solution est particulièrement économique, mais ne s'adapte pas à tous les maillages : des formes trop cubiques ou des arêtes franches sont à éviter, de plus elles donneraient de mauvais résultats.



Si vous voulez enlever le «Set smooth», appuyez sur le bouton d'à côté : «Set solid».

«Subsurf»

Le «Subsurf» est plus qu'une simple méthode de lissage, c'est aussi une technique de modélisation.
Il multiplie le nombre de «vertices» de votre mesh tout en les lissant.

Créez et sélectionnez un mesh (le cube, par exemple) ; ajoutez-lui le modificateur «Subsurf» (toujours dans le panneau «Editing») :


Voyons à quoi servent toutes ces petites icônes.

L'icône la plus à gauche () active le Subsurf au rendu.
permet d'activer / désactiver l'affichage du «Subsurf» dans la vue 3D.
permet d'activer / désactiver l'affichage du «Subsurf» dans le mode édition.
Lorsque ce bouton est enfoncé (), vous pouvez modéliser sur votre mesh «Subsurfé» :




Cela peut être un peu déroutant au début, car les vertices ne réagissent pas de la même façon, mais c'est très amusant et permet de modéliser avec de belles formes.



La valeur «Render» détermine le nombre de subdivisions que vous verrez dans la vue 3D (évitez de le mettre trop haut, cela fera charger votre ordinateur).
La valeur «Render Levels» détermine le nombre de subdivisions au rendu (là, vous pouvez mettre la gomme, mais le temps de rendu sera plus long ).
Et enfin, «Apply» applique les verticles virtuels au mesh.

Vous ferez un gain énorme de temps et de facilité si vous êtes bien positionné pour modéliser.

Voici quelques trucs qui pourront vous aider :

• avec les vues de face et de dessus, prenez l'habitude de déplacer la vue avec shift + bouton de la molette enfoncé, pour être plus à l'aise (Ctrl + les flèches du pavé numérique pour ceux qui ont une souris à 2 boutons).
• N'hésitez pas à utiliser les calques si des gros objets encombrent votre scène, et vous empêchent de modéliser avec une bonne visibilité.
• Activez / désactivez ce bouton qui permet de sélectionner les points cachés lorsque vous êtes en mode d'affichage «Solid».
  
  
• Pour avoir la vue 3D en plein écran, mettez le pointeur dans celle-ci, et faites Ctrl + flèche du bas.
  Vous pouvez revenir à l'affichage normal avec la même combinaison de touches.

Vous vous sentez plus à l'aise maintenant, hein ?

Entrons dans le vif du sujet !
Dans cette sous-partie, vous allez découvrir les «Mesh Tools» qui vous permettront de mener à bien une modélisation complexe.

Pour les utiliser, il faut sélectionner les points de votre mesh, presser la touche W et choisir l'outil désiré.



Je vous montre ici ceux qui vous seront les plus utiles dans vos projets.
Ils sont testés sur... le cube !

«Subdivide»

La fonction «Subdivide» est très utilisée ; elle permet simplement de couper les arêtes en leur milieu.



Pratique pour rajouter des points à votre maillage !

«Subdivide Multi» / «Fractal»

«Subdivide Multi» est identique à «Subdivide», seulement on peut choisir le nombre de coupes des arêtes.
La fonction «Fractal» permet de rajouter un facteur aléatoire au placement des sommets créés.

«Subdivide Smooth»

Votre maillage sera subdivisé tout en se lissant.



Le cube est quasiment devenu rond.

«Remove Doubles»

On peut le traduire par «enlever les doublons».
Cette fonction vous permettra de fusionner tous les points qui se superpositionnent (ça arrive souvent lors des extrusions), allégeant ainsi le maillage de sommets inutiles.

Cette fonction vous sera donc bien utile pour rattraper des petites erreurs.

«Hide» / «Reveal»

Des points vous gênent pour modéliser ?
Ils cachent votre vue ?

Faites-les disparaître momentanément grâce à «Hide» («cacher» en français).
Lorsque votre opération est terminée, vous pouvez les faire réapparaître grâce à «Reveal».

«Smooth»

Encore une nouvelle méthode de lissage !
Les angles de vos arêtes seront légèrement adoucis à chaque fois que vous l'utiliserez.
En contrepartie, votre objet a tendance à diminuer un peu de volume (un petit S arrange très facilement cela).

«Bevel»

Je pense que cette fonction vous a cruellement manqué jusqu'à maintenant.
«Bevel» va simplement chanfreiner les arêtes sélectionnées de votre mesh.
Ainsi, plus besoin de se creuser la tête pour faire un cube arrondi : un petit «Bevel», suivi d'un «set smooth» !



Elle est pas belle la vie ?

La touche F

Si vous sélectionnez 2 points et appuyez sur F, ils seront automatiquement reliés par une arête.
Si vous en sélectionnez 3 ou 4, ce sera une face qui sera créée.





Sélectionnez-les, et appuyez sur shift + F.
Blender va automatiquement lier des sommets pour créer une surface ; malheureusement cette méthode produit souvent des faces un peu dans tous les sens, qui donnent des résultats affreux lorsqu'on utlise des méthodes de lissage («Set smooth» ou «Subsurf»).

Dans cette sous-partie, nous allons voir la fonction «Spin» («tourner» en français) et sa dérivée, «Spin Dup».
Ces fonctions permettent de répéter des points de façon circulaire, pour créer par exemple un pneu, un vase, une assiette, une horloge, un bâtiment en forme de cercle...

Spin

Quoi de mieux qu'un mini TP pour illustrer cette fonction ?
Pour enrichir notre scène de la table et la chaise, je vous propose de modéliser un verre !
Ne vous inquiétez pas, c'est très facile avec «Spin».

Le principe de cet outil est simple : on dessine le profil de l'objet, et ensuite on le fait tourner par rapport à un axe spécifié.

On va donc commencer par modéliser le profil du verre.
Ouvrez une nouvelle scène, supprimez le cube.
Mettez-vous en vue de face (numpad 1), et ajoutez un plan.



En mode édition, sélectionnez trois points de ce plan, et supprimez-les.
Il vous reste maintenant un maillage avec un malheureux point.
Déplacez-le pour qu'il soit à l'intersection de l'axe x et de l'axe z.



Maintenant, on va dessiner le profil. Grâce à Ctrl + clic gauche, vous pouvez ajouter des points qui seront liés au précédent (une sorte d'extrusion).
Veillez à ne dessiner que sur une partie de l'axe des z, de sorte que votre verre soit coupé en deux, comme ceci :





Ensuite, raccordez le dernier point avec le premier grâce à la touche F.



C'est après avoir créé le profil que «Spin» entre vraiment en jeu.
Comme je vous l'ai dit plus haut, il va falloir définir où se trouve l'axe autour duquel notre maillage va tourner.
Deux choses définissent cet axe :

• La position du curseur 3D,
• La vue dans laquelle vous vous trouvez.

Si vous n'avez pas déplacé le curseur, il doit toujours se trouver à l'origine des axes.
Si ce n'est pas le cas, shift + C vous sera utile.

Mettons-nous en vue de dessus (numpad 7).
Dans le panneau menu «Editing», il y a un espace réservé au réglage de la fonction «Spin».



«Degr» définit la rotation en degrés (nous, on le met à 360, on veut pas d'un quart de verre ).
«Steps» est le nombre d'étapes de votre profil. Une valeur trop élevée surchargera votre mesh, une trop faible rendrait trop cubique la forme du verre. Mettons-le à 30, valeur acceptable pour notre exemple.

Sélectionnez tous vos points (A), et cliquez sur «Spin» !



Je vous l'avais dit, c'est magique !



Un petit réglage final : lorsque l'on utilise «Spin» à 360 degrés, les points d'arrivée se chevauchent avec ceux de départ.
Il va falloir utiliser «Remove Doubles».



Vous pouvez utiliser «Subsurf» et le «Set smooth» pour lisser votre verre.

«Spin Dup»

«Spin Dup» utilise les mêmes réglages que Spin, seulement les étapes («Steps») ne seront pas liées entre elles.



Le «Spin Dup» est moins utilisé, mais peut être très utile.

Je vous montre ci-dessous une de mes petites créations où le «Spin Dup» était l'outil clé.

Je modélise seulement une arcade...



... et ensuite, je la duplique circulairement pour avoir le fameux Colisée de Rome.



Le rendu :

Il existe dans Blender 5 types de lampes : Lamp, Area, Spot, Sun et Hemi.
Chacun a ses propres caractéristiques, ses propres applications, ses propres paramètres.

Cependant, il y a quand même des réglages communs à tous ces types.
Voyons lesquels.

Sélectionnez une lampe de votre scène (en mode objet), et rendez-vous dans le sous-menu «Lamp buttons» du menu «Material».


A gauche, on a le type de lampe sélectionné.

Les curseurs RGB permettent de modifier la couleur de la lumière émise.

Par exemple, une lampe rouge mettra une ambiance de feu dans vos scènes !

«Energy» définit l'intensité de la lumière,
«Dist» définit la distance pour laquelle l'intensité de la lumière a été réduite de moitié. Vous l'avez compris, l'intensité de la lumière diminue parce qu'on s'éloigne de l'objet éclairé.


L'onglet «Shadow and Spot» est destiné aux réglages des ombres, qui a bien changé depuis la nouvelle version de Blender (2.46).
En effet, on y a vu apparaître les «Soft Shadows», un type d'ombres qui permet d'avoir des ombres douces à partir de n'importe quelle lampe :



«Soft Size» est le paramètre qui contrôle le flou des ombres, plus il est fort plus les limites des ombres seront diffuses.
«Samples» définit la qualité des ombres, mais augmente le temps de calcul. Une valeur de 5 ou 6 est un bon compromis.
«Threshold»...pas très utile pour nous.

Ajouter une lampe

Pour créer une nouvelle lampe, rien de plus simple :

Add --> Lamp --> et vous choisissez le type de lampe qui vous convient.

La lampe de base, celle que l'on a dans le fichier d'ouverture de Blender.
C'est une source d'éclairage ponctuelle, c'est-à-dire qu'elle émet de la lumière à partir d'un point.



Les flèches rouges schématisent les rayons.

Parlons maintenant un peu d'ombre (shadow en anglais) :



Par défaut, le bouton «Ray Shadow» est activé. Il permet simplement à votre lampe de générer des ombres (en utilisant la méthode du «Ray tracing»).

Si le bouton «Only Shadow» est enfoncé, votre lampe n'émettra aucune lumière, mais projettera des ombres dans votre scène.

Area, à la différence des autres types de lampes, émet de la lumière à partir d'une surface, et non pas d'un point.
Vous pourrez ainsi avoir des ombres douces dans vos scènes sans passer par les «Soft Shadows».



Vous pouvez agrandir la surface d'émission avec le paramètre «size».

Vous avez sans doute remarqué que l'onglet «Shadow and Spot» a changé par rapport au type «Lamp».
Les nouveaux boutons vous permettent d'ajuster les ombres douces.

Il faut d'abord choisir le type d'échantillonnage «Constant Jitterd» à la place de «Adaptive QMC» :



Tout d'abord, le nombre de «Samples» (de 1 à 16) permet d'améliorer la qualité et l'effet des ombres douces, mais en allongeant significativement le temps de rendu (comme pour les «Soft Shadows»).

Pour avoir une bonne qualité d'ombre douce, sans avoir à monter le nombre de samples, on peut tricher en suréchantillonant les ombres grâce au bouton «Dither» et «Noise».


Quant au bouton «Umba», il sert à augmenter le contraste de l'ombre douce.

Encore une fois, je vous conseille de faire quelques rendus pour tester toutes ces fonctionnalités : rien ne vaut la pratique !

Rendu obtenu grâce à l'éclairage d'une area :



Samples : 16
Temps de rendu : 6 minutes

Le Spot est une lampe assez spéciale, mais très amusante.

C'est une source ponctuelle qui n'envoie pas des rayons dans tous les sens comme Lamp, mais dans une direction de forme conique. Comme les projecteurs aux théâtres, ou dans les spectacles.



On peut régler l'angle d'ouverture du Spot en jouant avec la valeur «Spot Si».
«Spot BI» détermine la douceur de la transition entre la zone éclairée par le Spot et la zone non éclairée.




Le Spot est différent des autres lampes pour deux raisons : il est possible avec lui de générer une lumière volumétrique, et il peut utiliser la méthode «Buffering Shadow».

Lumière volumétrique

Une image parle souvent mieux qu'un grand discours :



Suzanne sous les projecteurs !

Pour l'activer, il faut pousser le bouton «Halo».
La valeur de «Halo int» définit son intensité.

On peut utiliser la lumière volumétrique pour simuler le soleil entrant dans une pièce, mettre en évidence quelque chose, simuler les phares d'une voiture...

Buffering Shadow

C'est tout simplement une méthode d'ombres.

Tous les autres types de lampes utilisent le «Ray tracing», qui a l'avantage de générer des ombres parfaites, mais avec des bords très durs, moyennant un temps de rendu assez long.
Le «Buffering Shadow» est intéressant, car il permet d'avoir des ombres relativement douces, tout en gardant un temps de rendu assez court.
Malheureusement, ces ombres sont imparfaites, et nécessitent des réglages complexes pour obtenir un bon résultat.



A vous de faire un choix quand vous utilisez un Spot : «Ray Shadow» ou «Buffering Shadow» !

Sun

Sun, soleil en français, est, comme son nom l'indique, idéal pour simuler un extérieur ensoleillé.
Par contre, il vous faudra sans doute baisser un peu le paramètre «Energy», car il cogne assez dur !

Autre particularité, il envoie des rayons parallèles dans toute la scène, donc peu importe son emplacement.

Hemi

L'hemi projette un dôme de lumière sur toute votre scène, donnant un éclairage assez diffus et doux.
Il a aussi la même particularité que Sun : peu importe son emplacement, seule son orientation sera prise en compte.



Comme vous pouvez le constater, l'onglet «Shadow and Spot» est vide de tout bouton. En effet, ce type de lampe est incapable de générer la moindre ombre...
Utilisé en association avec une lampe ne projetant que des ombres («Only Shadows» activé), le résultat peut être très convaincant !

Cette fonction (communément appelée «AO»), intégrée depuis peu sur Blender, permet d'avoir un éclairage bon et réaliste en très peu de réglages (voire même aucun ).
Elle donne un véritable éclaircissement à vos scènes qui est difficile à obtenir avec les lampes...

Encore une petite image pour illustrer :



Pour l'activer, allez dans le sous-menu «World», dans l'onglet «Amb Occ» :



Pour nous compliquer un peu plus la tâche , sachez que les développeurs ont créé deux types d'AO, avec chacun leurs avantages et inconvénients :

AO Raytrace

C'est celle qui est activée par défaut.
Elle donne de bons résultats, mais a tendance à générer des grains au rendu lorsque la valeur de «Samples» est relativement basse.
A noter également que son temps de calcul est long !

Autre paramètre, «Energy» permet de régler la luminosité ambiante de la scène.

AO Approximate

L'AO Approximate est quant à elle plus rapide que sa consœur, et a également un autre avantage : elle ne produit jamais de grain qui peut gâcher un peu votre rendu.
En revanche, lors de certains cas elle produit des tâches noires assez étranges lorsque deux objets sont côte à côte.

Globalement, il vaut mieux choisir la méthode «Approximate», surtout si vous n'avez pas un PC extrêmement puissant.

Un comparatif pour conclure :

Autant calmer les ardeurs de certains tout de suite : ce n'est pas au bout de cette partie que vous pourrez animer une bataille entre deux armées à la «Seigneur des Anneaux».

Je sais, je suis un peu brutal, mais c'est pour votre bien.

L'animation, ça demande du temps, des connaissances et de l'observation.
Si vous voulez que le déplacement d'un personnage soit réaliste, il faut d'abord que vous sachiez comment un humain marche. Cela peut paraître stupide, mais c'est la base (et pas aussi facile qu'on le croit).



Sachez tout d'abord qu'il n'y a pas qu'une seule méthode pour animer. En fait, il y en a à foison... Tout dépend de ce que vous voulez faire : animer un animal, simuler une visite guidée dans un immeuble, créer une animation réaliste de fluides, faire du morphing... A chaque projet sa technique.

Voici les différentes méthodes d'animation que je vous présenterai tout au long de cette troisième Partie :

«IKey» / «courbes IPO» : ce sont les clés de voûte de tout le système d'animation de Blender. Nous les verrons en détail dans le prochain chapitre.

«Armature» : elle crée un squelette qui déformera un mesh plus simplement et plus intuitivement que si on devait le faire directement sur le maillage.

«NLA Editor» : l'éditeur d'actions est une sorte de logiciel de montage, intégré à Blender, qui va nous aider à placer, synchroniser les mouvements d'un objet grâce à l'armature de ce même objet.

«Soft Body» : technique permettant de réaliser des actions physiques (déformation, collision...) entre différents objets.
On peut faire des choses très marrantes avec : par exemple, une balle rebondissante, qui dévale une pente et qui vient s'écraser à vitesse grand V sur un obstacle.

«Fluid Simulation» : en un mot, c'est l'animation réaliste de liquides. C'est-à-dire qu'on pourra faire interagir des fluides entre eux, dans un espace bien précis. Enfin on aura tout le temps de voir ça plus tard.

Bref, un bon programme en perspective !


Voici des illustrations de quelques méthodes d'animation :

Ben, les minutes, les heures et les secondes... pourquoi ?

Parce que, dans les logiciels d'animation, on parle en frames, et non plus en secondes.

Généralement, lorsque que vous regardez un film, il est de 25 images, ou frames, par seconde. Comme c'est assez élevé, l'oeil ne se rend pas compte du décalage, et on a l'impression d'un mouvement continu. En fait, c'est juste un défilement très rapide d'images.

On va faire comme dans les films : nos animations seront de 25 frames par seconde. La classe, hein ?

Changer de frame

La frame actuelle est indiquée dans ce que l'on appelle la timeline (barre de temps en français).
Elle se trouve dans l'en-tête de la fenêtre des boutons.



Vous pouvez changer de frame en utilisant les flèches de votre clavier, ou en tapant une valeur directement dans la timeline.

Nombres de frames dans une animation

Pour régler le nombres d'images de votre mini-métrage (autrement dit la durée de votre animation), on s'intéresse aux valeurs de «Start» et «End».


Par défaut, votre animation commence à la frame 1 et se finit à la frame 250.
A 25 images par seconde, ça nous fait... 10 secondes d'animation.

Vous pouvez bien entendu modifier ces paramètres en fonction de vos besoins.




Eh oui !
C'est le gros inconvénient des animations, le temps total des rendus peut être énorme.
Personnellement, je vous conseille de faire vos rendus pendant la nuit, si votre PC n'est pas à côté de votre lit.

Pour l'anecdote, sachez qu'un ordinateur domestique mettrait environ 2000 ans à calculer les rendus d'un film de Pixar.

Bien, maintenant imaginons que vous ayez fini de réaliser votre animation : vous n'avez plus qu'à lancer les rendus.


Pour ceux qui ont bonne mémoire, j'en avais déjà parlé dans la partie I du tuto. Pour lancer le calcul d'une animation, on va appuyer sur «Anim», dans le menu «Scene».



Mais avant tout, on doit définir le format de la vidéo que l'on va calculer.

Chaque format est spécifique, mais il faut prendre en compte deux critères généraux : excellente qualité avec très gros fichier, ou qualité réduite pour un petit poids ?

Le tout, c'est de trouver le bon compromis pour ce que vous voulez faire.

Pour voir tous les choix disponibles, cliquez sur le menu déroulant à droite du menu «Scene».



Vous n'avez que l'embarras du choix !

Je vous conseille d'utiliser un des quatre ci-dessous :
- Quicktime (multi plates-formes),
- AVI JPEG ( la qualité est réglable avec la valeur «Quality»),
- AVI RAW (fichier non compressé, poids énorme pour une qualité excellente),
- AVI CODEC (choisissez le codec avec le bouton «set codec»).




Enfin, dernière étape : on indique le répertoire et le nom de la vidéo (sans l'extension).



Voilà, il ne vous resterait plus qu'à démarrer le calcul et... attendre !

Je vous propose un mini TP où nous allons créer notre première animation ensemble, pas à pas.
Bien évidemment, on va commencer par le plus basique qui soit : le déplacement simple d'un cube .

Ouvrez une nouvelle scène et assurez-vous que le cube est sélectionné (en mode objet) et que vous vous trouvez à la frame 1.



Nous allons maintenant insérer une clé d'animation.


Rien du tout !
Insérer une clé, cela signifie que Blender va enregistrer, à la frame donnée, toute sorte d'informations sur l'objet sélectionné (comme sa position, sa rotation, sa taille, sa couleur de matériau...).
Et à un autre moment, on insèrera une nouvelle clé avec de nouvelles données, ce qui permettra d'avoir un déplacement, une rotation (ou autre chose) au cours du temps ; en clair, d'avoir une animation.

Donc je reprends mon TP : pour insérer une clé, tapez sur I (comme Insert Key).
Blender nous demande maintenant ce que l'on veut enregistrer comme informations pour le cube à la frame 1 :




Choisissez «Loc Rot Scale», ça enregistre la position, rotation et la taille de notre mesh en même temps.
Maintenant, passons à la frame 100 (4 secondes plus tard).



Bougez le cube de quelques unités et faites-lui faire une rotation.



Après toutes ces opérations, on va insérer une nouvelle clé (I) pour que Blender enregistre les modifications à la frame donnée.



Blender va automatiquement calculer les étapes intermédiaires, de façon à ce que les changements au cours du temps soient progressifs.

Visualisation dans la fenêtre 3D

Bon, maintenant que nous avons fait tous nos réglages, il est temps de regarder notre animation.
Pour cela, revenez à la frame 1 et appuyez simultanément sur Alt + A.

Votre animation se déroule sous vos yeux ébahis... pour l'arrêter, pressez Echap.



Vous connaissez maintenant le principe des animations sous Blender : on insère des clés et on regarde si ça rend bien .

Le principe de l'insertion des clés est très pratique, mais a ses limites.
Par exemple, si vous voulez animer une voiture qui roule sur l'autoroute avec toujours la même vitesse, ça va être ardu.

Comme je vous l'ai dit, Blender fait en sorte que les changements soient progressifs. Dans notre exemple on verra la voiture partir à l'arrêt, accélérer, freiner puis s'arrêter.



Donc avec seulement les Ikey, impossible d'avoir un mouvement autre que progressif !

Pour pallier à ce problème, on va être obligé d'aller mettre les mains dans le cambouis, ou plus concrètement de modifier les courbes IPO .

Les courbes IPO sont générées à partir des clés d'animation que vous avez insérées. Elles sont en fait la représentation graphique de tous les changements au cours du temps.
On peut faire certaines modifications sur elles, et ainsi obtenir des mouvements correspondants à nos besoins .


C'est tout à fait normal : pour les voir, il va nous falloir découper une deuxième fenêtre «Ipo Curves».
Pour cela, je vous renvois au chapitre Modifier l'apparence de l'Annexe du tuto.

Un fois l'interface configurée, elle devrait ressembler à ceci :



Intéressons-nous maintenant à la fenêtre des IPO Curves.

Dans différentes couleurs, vous voyez 9 courbes générées par les clés que nous avons définies.
Les courbes «Scale» sont superposées à 1, étant donné que nous n'avons pas changé la taille du cube au cours du temps .
Par contre celles de la localisation et de la rotation partent un peu partout .

Pour vous repérer un peu dans cette nouvelle fenêtre, voici quelques indications :

• La barre verticale verte montre la frame courante.
• Vous pouvez sélectionner une courbe en faisant un clic droit dessus.
• Pour éditer les points d'une courbe, sélectionnez-la et appuyez sur TAB.

Et pour naviguer, voici quelques raccourcis clavier très utiles :

• Molette : zoom.
• Shift + molette : déplacement du centre de la vue.
• Ctrl + Molettte : étirement de la vue.

Vous vous apercevrez que beaucoup de raccourcis ont la même fonction dans les différentes fenêtres .

N'oublions pas que nous voulons avoir des transformations linéaires :
On va sélectionner toutes nos courbes en même temps (A), pour le faire en un seul coup.
Appuyez ensuite sur T, qui va nous permettre de changer le type d'IPO.


Dans la boîte de dialogue qui s'ouvre, choisissez «Linear».



Et voilà, nos transformations sont maintenant linéaires !

Un petit point sur les types d'IPO s'impose :

• Constant : transformation brutale, qui s'opère en 1 frame.
• Linear : transformation linéaire.
• Bezier : tranformation progressive (par défaut).

Maintenant que vous connaissez le principe, découvrons un peu quelles clés on peut définir dans notre animation.

Ce qui va déterminer les types de clé que vous pourrez enregistrer, c'est la position de votre curseur de souris .
S'il se trouve dans la vue 3D, on l'a vu, on peut définir la localisation, rotation, échelle d'un objet... mais s'il est dans le panneau des matériaux, on pourra enregistrer la couleur du matériau, ses Shaders, la valeur de Ray Mirror et bien d'autres !



Vous pouvez ainsi faire varier d'innombrables choses dans votre animation, il suffit d'être dans la bonne fenêtre et d'appuyer sur la touche I .

A l'écran de démarrage par défaut, on note deux fenêtres : la vue 3D et la fenêtre des boutons.
Il existe beaucoup d'autres types de fenêtre, tels la fenêtre des courbes IPO, le NLA editor, la fenêtre de script...

Nous allons voir comment ajouter une fenêtre et changer son type.

Pour cela, mettez votre curseur sur la séparation de la vue 3D et de la fenêtre des boutons dans la zone entourée de rouge, par exemple.



Lorsque deux petites flèches apparaissent, faites un clic droit.
3 choix s'offrent à nous :

• Split Area : découper une fenêtre.
• Join Area : fusionner les fenêtres.
• No Header : celui-là, on le voit après .

Vous vous en doutez, pour nous ce sera «Split Area».
Une ligne surgit de l'enfer apparait, symbolisant la future découpe.
Placez-la vers le milieu de la fenêtre 3D et validez avec le clic gauche.

Une nouvelle fenêtre 3D est créée, totalement indépendante de l'autre.
Vous pouvez par exemple zoomer dans l'une des vues, cela n'aura pas d'incidence sur l'autre.

Type de fenêtre

En bas à gauche de la fenêtre fraîchement apparue, se trouve une petite icône symbolisant le type de fenêtre actuel.



Cliquez dessus pour afficher le choix de tous les types de fenêtre.



Vous pouvez ensuite cliquer sur l'un des types de fenêtre pour le faire apparaître.

Les headers (ou «en-tête» en français) sont visibles dans toutes les fenêtres. Ce sont les barres comprenant les icônes du type de fenêtre ainsi que de diverses options propres à la fenêtre.



Un header peut être inutile dans certains cas, et donc occuper de l'espace pour rien (notamment dans de petites vues 3D).
Il est alors conseillé de supprimer l'en-tête de la fenêtre.
Comme nous l'avons déjà vu, clic droit sur un bord de la fenêtre et «No header».



Et ensuite :




Il est bien sûr possible de remettre le header, en répétant l'opération, avec «Add Header».

Vous trouvez Blender trop gris, sans vie ? Vous voulez changer tout ça ?

Alors j'ai une bonne nouvelle : toutes les couleurs de votre logiciel préféré sont modifiables .
Vous pouvez ainsi créer votre propre thème, correspondant à vos goûts.

Tous les réglages se trouvent dans le menu des préférences.
Pour y accéder, tirez (clic gauche enfoncé) sur la bordure entre la fenêtre 3D et la fenêtre d'informations.



On tire...




...et on relâche.




Rendez-vous maintenant dans l'onglet «Themes».


Comme vous pouvez le voir, un autre thème («Rounded») existe, plus sombre que celui par défaut.

A vous de jouer !

Pour créer votre propre thème, cliquez sur «Add».



Définissez son nom, et ensuite changez les couleurs de tous les composants de Blender : fond de la vue 3D, grille, texte, fond des boutons, bordures des boutons...
Il vous suffit simplement de choisir et de changer les curseurs de couleur. Enfantin, n'est-ce pas ?




Quelques petits conseils cependant : évitez de mettre trop de contraste, choisissez des couleurs qui se marient bien ensemble. Si vous faites un tuto ou même un screenshot, il est préférable de revenir au thème par défaut, de sorte que tous les utilisateurs puissent se retrouver dans l'interface.



Si vous manquez d'imagination, vous pouvez télécharger des thèmes pour blender à cette adresse .

Molette enfoncée : point de vue personnalisé
Shift + molette enfoncée : changer le centre de la vue

Numpad 1 : vue de face
Numpad 3 : vue de profil
Numpad 7 : vue de dessus
Numpad 0 : vue caméra

Numpad 5 : passer à vision perspective/orthonormée

Molette haut : zoom
Molette bas : dézoom


Clic droit : sélectionner
Shift + clic droit : sélectionner plusieurs objets/points
A : tout sélectionner/désélectionner

B : rectangle de sélection
B, puis B : cercle de sélection
Ctrl + clic gauche enfoncé : créer une forme de sélection (outil lasso)

Clic gauche : déplacer le curseur 3D
C : centrer la vue sur le curseur 3D

Z : passer en mode fil de fer/solide

TAB (ou tabulation) : passer du mode objet/édition

G : déplacer
R : effecteur une rotation
S : réduire / agrandir

Shift + D : dupliquer

Suppr. : supprimer

En mode édition

F : créer une face/arête

W : afficher les Mesh Tools

E : extrusion
K : loop cut

P : séparer du maillage les points sélectionnés

En mode objet

Ctrl + J : fusionner plusieurs maillages

Ctrl + P : parenter plusieurs objets
Alt + P : supprimer le parentage

Animation

I : enregistrer une clé IPO
Alt + A : visualiser l'animation

Rendu

F12 : lancer un rendu
Echap : arrêter le rendu (fenêtre de rendu)
F11 : voir le dernier rendu calculé
F3 : sauvegarder le rendu, après que le calcul soit fini.

Divers

Ctrl + Z : annuler l'action


Et en bonus, une image qui permet d'apercevoir tous les raccourcis clavier d'un seul coup d'oeil :



Source de l'image.